Saltar para: Posts [1], Pesquisa [2]




Não sou adeptos de filmes de terror. Já aqui o escrevi anteriormente. E é sempre assim que gosto de começar uma análise a um filme do género. Admito que encaro este tipo de filmes de um modo diferente, que precisam de muito mais para me convencer. Porque não vejo o medo como algo gratuito. O medo, o suspense, o frenesim de uma cena num filme de terror precisa de vir de dentro do próprio espectador. Precisa de ser algo incontrolável. Algo que nos faça perder a respiração, perder a noção do tempo e do espaço. Já aqui o disse, também, que David Lynch (para quando o seu regresso?!) é um mestre neste negócio. Como tal, filmes que se apresentem com moto-serras e catanas a cortar ao desbarato, com mangueiras de sangue por todo o lado, conseguem aborrecer-me de morte.

No caso deste filme, este caso não se coloca. As cenas mais sangrentas não se tornam fastidiosas. O problema é a sua previsibilidade e a forma como não me conseguiu cativar um único momento. Não me desiludiu, mas também não me surpreendeu. É uma história engraçada, copiada e remisturada algures por aí, que foi americanizada para o grande ecrã. Assim se resume o argumento de The Cabin in The Wood. Num breve resumo, conhecemos a história de cinco amigos que decidem passar o fim-de-semana numa cabana perdida no meio de uma floresta (tão clássico, não?) e que, com o passar do tempo, acabam por se aperceber que foram atraídos para algo monstruoso, do qual não vão conseguir escapar.

Uma das melhores qualidades do filme está no facto de ser curto, sucinto, directo. Seria penoso se o realizador optasse por explorar melhor cada personagem. É um filme que se desenrola numa cadência muito acelerada, sempre com acção, sempre com acontecimentos importantes, decisivos no desenvolvimento do argumento. São atributos que, no entanto, não me convenceram. Senti como perdido o tempo que gastei para ver este filme. Recomendo-o se for um adepto do género. Se não, há outros filmes bem melhores para ver.

Nota Final: 


Informação Adicional:
Realização: Drew Goddard
Argumento: Joss Whedon, Drew Goddard
Ano: 2011
Duração: 95 minutos

"Hit Me With Your Best Shot": PSYCHO (1960)

Este artigo faz parte da minha participação na rubrica do The Film Experience Blog de Nathaniel Rogers, "Hit Me With Your Best Shot", na qual é-nos requerido escolhermos uma imagem icónica do filme em discussão nessa semana e justificar a nossa opinião. Esta semana a película em análise é um dos filmes mais reconhecidos universalmente, a fantástica obra-prima de Hitchcock, PSYCHO. Uma vez que esta rubrica é feita para um sítio inglês, o artigo tem que ser colocado nas duas línguas. Espero que gostem, de qualquer forma e que se juntem à conversação - e que vos incite a ver o filme. [N.B.: O texto tem 'spoilers']. 

What strikes me as the most fascinating about PSYCHO is how I believe its director Alfred Hitchcock knew that one day, fifty years after its release, that movie would have become such an indelible part of pop culture that no one would ever look at horror films, shower scenes and sons damaged by overbearing mothers the same way again. PSYCHO is, at its core essence, an amazing, thrilling experience, one that never loses its power whether you are watching it for the first time or if you have already watched it too many times for your own good. This, however, creates a huge problem for me: how to select only one image as strikingly iconic enough to represent a whole two hours' worth of pure entertainment - and not going for the shower scene?

When we first see this woman by the window, in that creepy-looking manor next to Bates Motel, one can't help but wonder about the possible omnipresence it may have on the story development. The facial expression on Marion Crane (an immensely detailed performance by Janet Leigh), our protagonist, that has fled Phoenix with 40,000 $ she stole from her boss and in her way to Fairvale, to meet her lover Sam, after seeing that image is so curious, judgemental yet ambiguous, unaffected but scared, that I couldn't help but to be drawn to it. Hardly does she know she's only mere minutes away from being murdered in one of the most famous scenes in cinematic history; however, it's as if she knew that the woman she saw would spell trouble for her along the way.

Speaking of murder... This is an impressive one. Misfortunately, Marion Crane meets her fate and ends her journey here. What a way to go. After a creepy, bizarre conversation with the motel owner, Norman Bates (an outstanding Anthony Perkins), Marion unknowingly decides to take a shower. The rest, you already know. Bernard Herrmann's delightfully suspenseful score sets the perfect mood for this untimely end. A shadow holding a knife creeps in. Marion screams loudly and  is repeatedly stabbed. In one last movement, she pulls the shower curtains. Symbolically, blood and water spin down the drain and the camera cuts to a close-up of Marion's unmoving eye. When Bates sees her, he (and we) can't help but to be sickened of the whole gruesome picture.

My favorite shot. After her disappearance has been known, a private detective, Arbogast (Martin Balsam) is hired to discover evidence on her whereabouts. He will eventually end up being murdered at the Bates's, not long after he informs her sister, Lila Crane (Vera Miles) and her lover Sam Loomis (John Garvin) that she stayed in that motel on her way to Fairvale. When they didn't hear from him the next few days, Lila and Sam decide to take matters into their own hands and search for her inside the house. Here lies what I believe to be Hitchcock's greatest skill: he worked with our primal fears and keeps testing them every time. It's amazing what frightening feelings he can pull off a car chase by a policeman (that repeated image of Marion looking into the rear mirror and afterwards of the policeman parked outside the used cars department reads as a pitch-perfect notion of human nature - when we do something bad, we are always glancing over our shoulders, almost anticipating that someone will come and be suspicious and reveal that they had known all along what we have done). This is why I love this shot so much. It plays so obvious that Lila would be terrified to see herself in the mirror, mistaking it for somebody else. In an ominous, creepy house like that and taking into account the purpose and the illegality of her presence there, who wouldn't be scared? It's something we all can relate to. Who hasn't been caught in a situation like that before? Who hasn't been caught sneaking up on something when we know we aren't supposed to?

From the first moment when he appears on screen, it's pretty clear that in the end it would all come down to Norman Bates. Anthony Perkins plays him in excellent fashion, transforming a complex character on paper into a doubtful shadow of a person. He conveys that boyish, "joie de vivre" kind of personality perfectly while still managing to sound mysterious and creepy through his line reading of some pivotal sentences. And it's fantastic to see him let go of his grip when things start to get personal. He evades. He giggles nervously. He loses track of his speech. He is not to be trusted. To Hitchcock's credit, although I feel that he should have ended the movie right after the scene where the mother's identity is revealed, this last scene which ends with the imposition of a skeleton over Norman's face is absolutely brilliant (The psychiatrist's lecture? Not so much), as if to remind us that sometimes the devil is in the unlikeliest of places. Norman Bates had one gentle soul. He just happened to have a broken one.

PSYCHO is an effective, full-blown melodrama, filled with interesting performances but where the director is the true star. From the close-ups from the character's point of view, the unsettling way of creating irony in a serious dialogue, the joyful thrill of having your characters smile in the most innapropriate of settings,  the spot-on art direction (stuffed birds, anyone?), casting choices (every actor is everything, physically, which the character requires them to be) and perfect editing, PSYCHO is truly an emblematic masterpiece, a mindblowing symphony of horror and suspense; in a sentence, it is everything the great movies hope for: a movie for the ages, that stands the test of time, that defies and challenges the audience, a movie that can proudly call itself one of the best ever made.

Nota Final:

Informação Adicional:
Realização: Alfred Hitchcock
Elenco: Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, Anthony Perkins
Fotografia: John L. Russell
Banda Sonora: Bernard Herrmann
Duração: 109 minutos
Ano: 1960


Grandes Posters: the Hitchcock edition

Há muito tempo que não pegava na nossa rubrica de Posters e fazia uma edição baseada nas principais obras de um realizador. Depois de analisar Malick e Cameron, exemplos claros de realizadores com filmes brilhantes que conseguem sucesso mesmo com fraco merchandising, vamos pegar num expoente claro do contrário: excelentes peças de arte que atiçam ainda mais a nossa atenção para os filmes em questão.

Dos muitos filmes da vasta filmografia de Alfred Hitchcock, resolvi ressalvar estes. Alguns antiquados, é certo, mas há que perceber que para os anos 40 e 50 estes posters estavam já muito à frente do que se fazia na época. Há por aqui um ou outro poster que é na verdade de uma edição comemorativa, portanto bem mais recente, mas na maioria o que dá para perceber é que as imagens que Hitchcock usava nos posters dele são todas muito inventivas, muito curiosas, apelando à nossa atenção, normalmente focando-se em expressões faciais ou gestuais das personagens. Senão vejamos:

The Lady Vanishes (1938) / Rebecca (1940)

Shadow of a Doubt (1943) / Notorious (1946)

Rope (1948) / Strangers on a Train (1953) 

Dial M For Murder (1954) / Rear Window (1954)

To Catch a Thief (1955) / The Man Who Knew Too Much (1956)

Vertigo (1958) / North By Northwest (1959)

Psycho (1960) / The Birds (1963) 

Além de vários posters que aprecio, outra coisa fica-me bem clara. Haverá outro realizador com uma filmografia tão rica? E vocês, que pensam? 

Trailer - DEVIL (2010)

Aqui está um trailer que me intriga ao ponto de me apetecer falar aqui sobre ele. Fui ontem ao cinema para ver adaptação americana de "Let Me In" (filme em foco desta semana e sobre o qual falarei numa crónica em conjunto com o Jorge) e na quase meia hora de trailers e anuncios, apareceu-me este trailer.

Sou um fan enorme de terror paranóico, como o que David Lynch tão bem trabalha. Ao começar a ver este trailer (que não conhecia e sobre o qual nunca tinha prestado grande atenção, confesso) de imediato me veio à imagem o "Cubo", o filme com uma das ideias mais macabras da história do cinema. Pus-me a observar o desenvolvimento do trailer e a ideia de imediato me fascinou: Cinco pessoas presas num elevador? Como é que isto nunca foi tentado? Aos poucos começamos a perceber que algo estranho se passa neste elevador. Uma das mulheres é mordida e o pânico instala-se. "Delicioso!", pensei.

Estava já completamente convencido de que tinha (e continuo com essa ideia) de ver o filme, quando aparece a mensagem que me fez perder todo o fulgor inicial:

"From the mind of M. Night Shyamalan"

E um balde de água fria caiu sobre mim. Como se sabe, tanto eu como o Jorge não gostamos de Night Shyamalan nem pintado. Mas desta, vou mesmo dar-lhe uma oportunidade de me convencer. A ideia inicial parece-me realmente interessante. Veremos o que Night Shyamalan, essa promessa falhada do cinema, conseguiu fazer com isso. (E o 6,6 do não me irá demover!)

O Cinema Numa Cena

Bem-vindos a mais uma rubrica semanal aqui no Dial P for Popcorn - "O Cinema Numa Cena" tenta mostrar as nuances de uma interpretação fora-de-série numa cena pivotal do seu filme.

Saltando agora da década passada, onde já reflectimos sobre algumas interpretações, vamos voltar aos anos 90 e falar de uma interpretação que conseguiu um Óscar com apenas 16 minutos de tempo de ecrã, sendo até hoje a performance mais curta a ganhar o Óscar de Melhor Actor. Estou a falar, é claro, de Anthony Hopkins e do seu papel como Dr. Hannibal Lecter em "The Silence of the Lambs" (1991).

Primeiro que tudo, tenho que confessar: eu não sou fã de filmes de terror (apesar de muita gente não o considerar um filme de terror, é o género com que foi classificado e é aquele que eu acho que melhor se aplica ao filme) e até tenho pouquíssimo respeito pelo género, mas tenho de admitir que este filme é bestial. Jonathan Demme alia o bom argumento de Ted Tally a uma excelente realização da sua parte e consegue grandes interpretações de ambos os seus dois protagonistas, Foster e Hopkins - que venceram ambos o Óscar (Melhor Actor e Melhor Actriz) - e deverá ter sido uma das raras (única?) vezes que a Academia se apaixonou por um filme de terror, tanto até que lhe deu mesmo o seu prémio máximo em 1992.

Falando então da interpretação do actor. É que se Clarice Starling (Jodie Foster) é quem ganha em tempo de ecrã no filme, sendo de facto um papel muito bem criado por Jodie Foster (que já tinha vencido um primeiro Óscar de Melhor Actriz em 1989 por "The Accused"), é Hannibal Lecter - perdão, Dr. Hannibal Lecter - que domina o ecrã. É assombroso o que Hopkins faz com tão pouco tempo em cena e os tiques - improvisados, segundo dizem - que conferiu à personagem complementam uma caracterização extraordinária por parte de um actor que, tendo conseguido bons papéis e boas críticas ao longo da carreira, era impensável, à partida, que o actor fosse arranjar a melhor performance da carreira neste filme. Relembre-se que o seu Hannibal Lecter era suposto ter parecido um monstro aos nossos olhos, mas não. É sofisticado, cuidado, tem boa pinta e só quando ele se deixa ver completamente (nomeadamente, por exemplo, na cena em que ele foge da cela) é que percebemos a escuridão que vai no seu coração.

Deixo-vos aqui uma das cenas dele com Starling (Foster):

O Cinema Numa Cena

Bem-vindos a mais uma rubrica semanal aqui no Dial P for Popcorn - "O Cinema Numa Cena" tenta mostrar as nuances de uma interpretação fora-de-série numa cena pivotal do seu filme. Depois de falarmos das actrizes de "The Piano", Javier Bardem em "No Country for Old Men" e de Catherine Zeta-Jones em "Chicago", pegamos esta semana (um pouco mais cedo que o habitual, mas enfim) em mais uma extraordinária interpretação desta década: Christian Bale como 'Patrick Bateman' em "American Psycho" (2000).

Christian Bale enche-nos as medidas com esta interpretação fora-de-série, que o consolidou como um dos melhores actores do 'show biz' e que nos mostrou que aquele miúdo que aos 13 anos se estreou no cinema na mega-produção de Spielberg, "Empire of the Sun" (1987), estava mesmo destinado ao estrelato. Claro que desde então Bale tem vindo a provar consecutivamente porque é que é um dos melhores, com performances incríveis em "Equilibrium" (2002), "El Maquinista" (2004), "Batman Begins" (2005), "The New World" (2005), "Rescue Dawn" (2006), "The Prestige" (2006), "I'm Not There" (2007), "3:10 to Yuma" (2007), "The Dark Knight" (2008) e "Public Enemies" (2009). Muito provavelmente, receberá a sua primeira nomeação (e quanto já não a merece - já devia ter surgido há bem mais tempo) para Óscar pelo seu papel secundário no novo filme de David O'Russell, "The Fighter".  

Contudo, foi com este filme que tudo começou. E Bale é simplesmente inolvidável como o sofisticado psicopata Patrick Bateman, que chacina as suas vítimas enquanto cita filosofia, discute música e fala sobre arte. Deixo-vos duas cenas que quanto a mim mostram o que é Patrick Bateman:

(peço desculpa pela qualidade de imagem mas de outra forma não dá para incorporar: se querem ver em melhor qualidade vejam aqui)